Chasez&英伦猫

原文地址：http://ent.qq.com/a/20080822/000149.htm

（文/英伦猫）达蒙-奥尔本（Damon Albarn）是出了名的爱折腾。从Brit-pop时期的Blur乐队开始达蒙-奥尔本就是一副玩世不恭的中产阶级“小玩闹”样子。乐队解散后奥尔本反 倒更加来劲，先是虚拟乐队Gorillaz，然后是明星收容所的乐队The Good, The Bad & The Queen，甚至还一度放下吉他摇滚跑 到非洲去探索那里的世界音乐。以往的经验表明，摇滚明星接触世界音乐的下场都不怎么样，网罗过气大牌组建乐队也不明智，涉足歌剧表演更不是什么好事，现在 的达蒙-奥尔本已经完成了前两个禁忌，结果还算说的过去，而在涉足歌剧上似乎风险更大，他的前辈皇后乐队算是少有的成功者。索性的是达蒙-奥尔本足够有 才，足够有冲劲，他用一部最近在欧洲大受欢迎的现代歌剧，《美猴王：西游记》（《Monkey: Journey to the West》）证明了自己不再是小打小闹的乐手，已经完全是一副艺术家的风范。

先说话剧《美猴王：西游记》。中国人的童年记忆中，孙悟空和西游记是不可或缺的内容，《美猴王：西游记》正是根据中国四大古典名著之一《西游记》(大陆版 香港版 日本版) 改编，除了达蒙-奥尔本，中国的戏剧导演陈士争还有奥尔本老搭档先锋漫画家杰米-休依特（Jamie Hewlett）都参与到了其中，用点冠冕堂皇的话说这是“中西文化的一次大碰撞”，碰撞出的火花还算不小的，真应了那句，外来的和尚好念经。如果无法现 场感受歌剧的魅力，单单看英国BBC电视台 启用奥尔本和杰米-休依特为其制作的2008年北京奥运会宣传片的片段就能管中窥豹地知道全长的话剧该多有意思，这对于中国观众来说，完全可以用震惊来形 容。其实，震惊之余还有点嫉妒，怎么说也是我们自己的东西，却被外人玩得如此好，再看看之前国内新版的电视剧《西游记》，跟奥尔本几人搭档的作品简直就是 天与地的差别。我们只能安慰自己，这叫“旁观者清”，无压力一身轻的外国人能以新的角度来审视经典，也不用背上什么包袱，想怎么改就怎么改，改好了那就真 成了艺术了。

再说原声专辑《美猴王：西游记》。就像任何电影和 原声专辑的关系一样，原声远没有电影本身的震撼力大，理由也简单，视觉加听觉的感染力自然要比单纯的视觉来的多。不过这并不意味着原声就一定成为鸡肋，对 于以音乐起家的奥尔本来说自然还是音乐最能显示他的功底。从话剧到动画片，再到《美猴王：西游记》这张原声专辑，达蒙-奥尔本可谓是完成了漂亮的三级跳， 专辑《美猴王：西游记》的出现还是有迹可寻的，2002年达蒙-奥尔本就已经在专辑《Mali Music》中尝试了世界音乐，因此在《美猴王：西游记》只是轻车熟路重复之前的过程，奥尔本作曲抓住的就是中国音乐中五音阶的特色。在收录了二十二作品 的专辑中我们能听到中国民乐和欧洲音乐的融合，所有作品都用中文演唱，配器方面则是中国民乐和西方经典音乐模式的衔接，电子、先锋音乐的成分很重。奥尔本 基本上做出了自己所能想到一切音乐，在一些短小的作品中，《Monkey's World》里的电子鼓；《Into the Eastern Sea》和 《Out of the Eastern Sea》里简洁的合成器；《Heavenly Peach Banquet》中键盘和弦乐的配合还有《The Living Sea》里的曼陀林都奏出了难得的美妙旋律。短小的作品还只是奥尔本的略施小技，在部分真正具有歌剧味道作品中才真正显示出他严肃艺术家的做派，甚至怀疑 他在做这些音乐前认真研究过肖斯塔科维奇、菲利普-格拉斯还有史蒂夫-里奇等作曲家的作品，《March of the Volunteers》中明显有着俄国作曲家肖斯塔科维奇的影子；而在《Confessions of a Pig》和《Battle in Heaven》中菲利普-格拉斯还有史蒂夫-里奇的影响也很明显，三首歌曲都将轻飘的中国乐器和宏大的歌剧氛围很好地结合在了一起。也许是奥尔本过于依赖五音阶来写歌的缘故所以歌曲多少有点雷同的感觉，但整体来说仍旧是一张十分有厚度的作品，而且张驰有度。

达蒙-奥尔本让我们相信，他的“不务正业”是有道理的，在探究音乐极限的同时也在探究着自己的极限，他到底还有多少未开发的能力？现在还未有定论。文/英伦猫

腾讯网专稿 转载请注明出处

 

 

 

 原文地址：http://ent.163.com/08/0821/13/4JSF7KL4000300C3.html

（文/英伦猫）一支乐队里容不下两个天才。主唱和吉他手之 间的矛盾重重似乎已经英国乐队中的惯例，Blur乐队里的主唱Damon Albarn和吉他手Graham Coxon；“山羊皮”乐队里的主唱Brett Anderson和吉他手Bernard Butler都是最终踏上不欢而散的路。作为同一时期的乐队，The Verve也不例外，主唱Richard Ashcroft和吉他手Nick McCabe之间的不和是由来已久的。之前两人各自耍了一次性子，乐队糟糕的第二张专辑《A Northern Soul》发行后Richard Ashcroft离开了乐队，随后Richard Ashcroft回心转意要重组乐队， 但是Nick McCabe却拒绝回归，虽然最后还是回到乐队中，但在乐队发行了至今最出色的专辑《Urban Hymns》之后Nick McCabe又离开了乐队。如此折腾看来两人真有点水火不容的意思，因此2007年乐队宣布再次重组时，歌迷们也司空见惯了，索性的是两人都回到了阵容 中，这对于保持The Verve乐队的水平至关重要。

对于乐队的回归，英国人很给面子，著名的格拉斯顿伯里音乐节就给了The Verve一个压轴的位置。在正式专辑出来之前，The Verve乐队在音乐节上首次演出了新单曲《Love Is Noise》，有幸听到歌曲的歌迷都高呼“The Verve回来了！”的确，虽然略显简单，但旋律 极其优美、上口的《Love Is Noise》足有望成为又一首《Bittersweet Symphony》。乐队将《Love Is Noise》定为打头阵的歌曲是有道理的，就是想简单直接地抓住歌迷的神经； 不过，按照之前的经验，我们应该有这样的准备，作为乐队的第四张专辑《Forth》，不可能首首都像《Love Is Noise》一样抓人；就连乐队被奉为经典的《Urban Hymn》也没能有太多的经典曲目。《Love Is Noise》是专辑中唯一一首常规意义上好听的歌曲，其它歌曲完全落入了乐队得以成名的浓烈的迷幻氛围中，在几乎所有英国乐队都在变得更加通俗，易懂 时，The Verve却还要高举“艺术”的旗帜，这样的做法只能说明一点，乐队回来不是为了钱，只是为了音乐，还要更有利的证据？Richard Ashcroft已经对外宣布，他还将继续单飞！

其实The Verve真正擅长的不是旋律，而是迷幻的艺术气质和复杂的编曲，这很合Richard Ashcroft的诗人气质，还有Nick McCabe善用效果器的吉他技巧，这俩人能凑到一起不容易，能做出一张完整的专辑就更不容易了。The Verve复出依然玩迷幻，Richard Ashcroft就是一迷幻的主儿，无论是乐队还是单飞他就爱自己的调调里自我陶醉。早在去年通过网络传播的歌曲《Thaw Sessions》已经显露了这样的趋势， 奇怪、扭曲和冗长的歌曲毫不遮掩地告诉大家，Richard Ashcroft依然把持着乐队的方向；幸好Nick McCabe还能在编曲上有所主张，至少他能将《Forth》里每首作品都向七分钟的长篇幅发展。新作里的开场曲《Sit and Wonder》可谓赢得了开门红，Nick McCabe的吉他技巧依然精妙，效果器的运用不减当年的神韵，Richard Ashcroft的演唱状态也恢复到最佳，这首先前在各大音乐节上掀起高潮的作品录音版更让人着迷。专辑里另一首长篇歌曲《Noise Epic》倒是有着Sonic Youth的噪音程式，吉他噪音墙和稳定的鼓点铺陈出情绪爆发的基础， 惟独不同的是Richard Ashcroft的耳语要比Kim Gordon的唱美妙得多。剩下的作品就落入了“不那么抓人”的境地里，在不少歌曲中The Verve之前的影子依然明显，《Judas》里的轻飘和安静让人想起乐队早期的歌曲《She’s A Superstar》；《Columbo》里诡异的贝司流线，还有歌曲中段的节奏变化则是带着《Man Called Sun》的感觉；《Valium Skies》则是让我们重新见识了曾经一度善于制造宏大气氛的The Verve，只不过现在的The Verve要比之前模仿Oasis乐队，为迎合大场面而一味制作大 气歌曲的那支乐队要成熟了。按照惯例，《Forth》里出来一首经典的《Sit and Wonder》已经能让歌迷们满足了，还缺少什么了？缺少一首足够让人感动涕淋的歌曲，在过去的十年里The Verve唱出了《Lucky Man》、《History》、《The Drugs Don't Work》还有《Bittersweet Symphony》，而在新专辑里却没有说服力的歌曲，姑且只能让《Love Is Noise》来充当这个角色。话说回来，一支乐队经典一次已经实属不易，要拿《Urban Hymn》来衡量《Forth》实在有点苛刻，况且The Verve在《Forth》里表现并没有砸自己的招牌，加之乐队很有可能做完这张《Forth》就又各自忙各自的去了，多少也让这张专辑显得珍贵。这是一 张需要反复聆听才能听出味道的作品，就像Richard Ashcroft写歌要费劲心思一样，聆听他的作品同样需要花够心思。

最后来说下Parlophone公司为《Forth》发行制定的方案， 专辑发行正赶上英超联赛新赛季的开始，公司将消费群体定在了“25岁到40岁之间的男性”，不得不说公司的方案有点失败，你能期望英国的球迷们在张望新赛 季的同时也来关注自己的音乐口味？况且The Verve的音乐并不能提供他们足够的荷尔蒙，这种推广方式还是适合The Fratellis乐队的《Chelsea Dagger》这类的歌曲！ (本文来源：网易娱乐专稿 )

欧美乐坛一周荐碟

网易音乐欧美频道专稿

文/英伦猫

原文地址：

http://ent.163.com/08/0808/15/4IR6GMN700032PQC.html

 

 

Conor Oberst 《Conor Oberst》

厂牌：Wichita

日期：2008-8-4

在以Bright Eyes为化名获得足够成功后Conor Oberst终于用自己的真名发行了专辑。被称为“新Bob Dylan”的Conor Oberst可以说是现今美国独立音乐界的一个品牌，在独立和主流乐界间已经左右逢源的他急切需要的是一张能作为“新Bob Dylan”证明的有力作品。《Conor Oberst》是Conor Oberst至今最朴素和真实的专辑，它没有《I'm Wide Awake》中强烈的政治意味，避免了《Digital Ash in a Digital Urn》里的乏味，也没有《Cassadaga》过于华丽的制作。由于长期合作乐手Mike Mogis的离开，Conor Oberst得以跑到墨西哥和当地的多位乐手合作，因此专辑中充斥着强烈的地方特色。《Conor Oberst》最明显的特点就是旅行的意味，这个生长在美国中部的大男孩在专辑开场的前两首歌就从佛罗里达州（《Cape Canaveral》）到达加里福尼亚（《Sausalito》），随后途经纽约（《NYC - Gone, Gone》）和尤他州（《Moab》）最后抵达墨西哥（《Valle Maestico (Ruben's Song))》），如此的征途意味也增添了歌曲“在路上”的感觉，正如Conor Oberst在《Moab》中所唱到的，“旅行会治愈所有伤痛。”或许还有人要历数Bob Dylan的《Bringing It All Back Home》、《Highway 61 Revisited》 和《Blonde On Blond》等经典专辑来说明Conor Oberst离“新Bob Dylan”的称号还差的很远，但是《Conor Oberst》至少给了我们期待的理由，听听《Milk Thistle》里纯真的民谣和精彩的歌词就会明白了。

UNKLE 《End Titles... Stories for Film》

厂牌：Surrender All

日期：2008-8-4

身兼DJ、场牌老板等多重身份的James Lavelle现在似乎是将所有精力都放在了UNKLE上，能明显感觉出他试图将每张专辑都做成“经典”，单单从《End Titles... Stories for Film》的七十分钟时长就能看出James Lavelle此次的野心。专辑长达七十分钟的时长往往是前卫摇滚为追求华丽和宏大场面的效果，而作为实验电子乐队UNKLE此番花费相同的时长可见其用 心之良苦，留下的问题则是乐队是否能制造出足够的兴奋点来支持如此长的专辑。应该说《End Titles... Stories for Film》只做到了一半，从某些歌曲中可以感受到“经典”的味道，诸如歌曲《Cut Me Loose》就是在婉转的旋律 和 的人声中深触人的心弦，更出色的是James Lavelle的乐器演奏，其对弦乐的处理尤其突出，将提琴营造出真实歌剧般起伏的氛围，当歌曲在这种状态下进行时格外的有说服力，而在不少摇滚味较重的 歌曲中，人声Gavin Clark的表现也起到推波助澜的效果。不过多数情况下James Lavelle则表现出了灵感匮乏的迹象，至少他没有制造出足够的新鲜感，部分歌曲中还带着Depeche Mode在专辑《Ultra》里的影子。由于诸如提琴、大提琴等弦乐器的加入，现在很难将UNKLE再归为典型的电子乐队了，这些新乐器的加入增加了歌曲 的实验性却似乎又让James Lavelle找不到北，也许他该先确定一个明确的定位，然后再做出一张出色的专辑。

Randy Newman 《Harps and Angels》

厂牌：Nonesuch

日期：2008-8-5

老歌手都是宝，来自美国新奥尔良的民谣歌手Randy Newman也不例外。像Randy Newman这样的老歌手向来不以高产出名，但是每张专辑都能成为长时间聆听的选择。Randy Newman既擅长甜蜜的情歌也能驾御悲伤的挽歌，歌曲中各种滋味的混合着实像在体验生活五味。《Harps and Angels》是Randy Newman继1999年的《Bad Love》之后一张全新作品，表现的主题依然是纠结的感情，整张专辑流畅而出色，间或地会出现愤怒的情绪，其中表现了歌手对自己身为美国人的思考，就像美 国本身无法理清的矛盾，Randy Newman的思考也充满了矛盾和困惑。事实证明还是钢琴加唱更加适合Randy Newman，自去年发行的单曲《A Few Words in Defense of Our Country》中起用弦乐和电吉他并没有达到预期效果后《Harps and Angels》再次回归到钢琴，意味深长的歌曲也随之回来了。强烈的政治的味道充斥着整张专辑，《Laugh and Be Happy》讨论了非法移民；《A Piece of the Pie》则是对越来越虚幻的“美国梦”的叹息；歌曲《Losing You》和《Feels Like Home》则是扑捉到人到暮年的悲伤和喜悦，展现了Randy Newman更为私人化的一面。很难想象《Harps and Angels》是Randy Newman阔别九年后的作品，歌曲中熟悉的气氛让人感觉他从未离开过。

Lloyd《Lessons In Love》

厂牌：The Inc./Universal Motown

日期：2008-8-5

用好事多磨来看，R&B歌手Lloyd的发展道路才刚刚经历了一个起伏，2004年 的处女专辑《Southside》完全被外界忽视，直到去年发行的《Street Love》才让Lloyd得到了迟到的肯定。Lloyd一把柔和、美妙的嗓音带着强烈的八十年代的味道，从前两张专辑来看复古和现代的良好结合才是这个做 派温和的歌手的杀手戬。《Lessons In Love》的失误之处是没能给Lloyd足够的空间来喘息和调整，整张专辑过于紧凑、压抑，Lloyd还没能够放开手脚唱起他最拿手的慢板歌曲。之前与 Ashanti等歌手合作尝到甜头后Lloyd在新专辑中依然拥有明星阵容的帮手，与Ludacris合作的先行单曲《How We Do It》即是一首舞曲味十足的作品，从其中的变化不难看出Lloyd试图“成熟”获得更多歌迷青睐的用心，但总让人觉得现在这还不属于他；相比之下有Lil Wayne参与的《Girls Around The World》就要出色，原因自然是Lloyd回到了自己熟悉的路数，歌曲中用到的鼓节奏就借用Hip-hop经典歌曲之一Eric B & Rakim的《Paid in Full》，Lloyd的演唱充满激情而又不显鲁莽。除了曲风上，Lloyd还试图出歌词方面来展示自己的成熟，以爱为主题，诸如歌曲《Sex Education》、《Love Making 101》还有 《Year of the Lover》等都在谈论更加成人化的话题，但却不够精致，看来Lloyd还需要经受多个起伏才能真正的成熟。

Port O'Brien《All We Could Do Was Sing》

厂牌：City Slang

日期：2008-8-4

夏天是聆听民谣的好时候，来自美国奥克兰的双人组合Port O'Brien选择在这个时候发行专辑真是应景之举。Port O'Brien 得到过Bright Eyes和Modest Mouse的好评，乐队之所以能得到不同风格乐队赞许的原因全来自其极其上口的旋律 和 不失深刻的歌词，在歌词和旋律方面Port O'Brien甚至可以与Bright Eyes媲美。《All We Could Do Was Sing》是这支独立乐队的第二张专辑，在收集了乐队早期作品的第一张专辑的基础上，新专辑为乐队真正赢来了好的口碑。专辑中既有伤感易碎的情歌，也有充 满迷幻色彩的实验作品，诸如《Stuck On A Boat》和《Fisherman's Son》等以大海为主题的歌曲完全就是拥繁都市里海的赞歌，引人而不沉溺的吉他旋律带来的是清新和畅快。Port O'Brien另一处让人兴奋的地方就是乐队不定型的音乐风格，专辑开场曲《Woke Up Today》在朋克节奏中保持了民谣的清新感；而精致的《Woke Up Today》则是带着份优雅的贵族气；带着强烈美国加州阳光味道的《My Eyes Won't Shut》让人感觉阳光般的温暖，躁动的《Close The Lid》则又是另外一种感觉。美国乐队的美式独立，聆听Port O'Brien的最佳方式也正是想象着从大洋彼岸飘过来的一条小木船。

《非音乐》杂志用稿 别随便就转载 要用告诉我一声

 

文/英伦猫

 

 

Isobel Campbell & Mark Lanegan -《Sunday At Devil Dirt》

Label：V2     

Date：2008.5

 

如果说《Ballad Of The Broken Seas》带来的是意外惊喜，那么《Sunday At Devil Dirt》则是在前作基础上进一步的成功。由Belle & Sebastian 前成员Isobel Campbell和 Screaming Trees 主唱Mark Lanegan搭档的二人组合秉承低调民谣和实验的风格，用最简单的乐器和低沉的吟唱来演绎沁人心脾的低沉音乐。与前作的录制方式一样，《Sunday At Devil Dirt》中两人依然是“远程合作”，Isobel Campbell完全负责歌曲的谱写，随后将完成的歌曲邮递给Mark Lanegan，后者完成录制工作并再次回递给Isobel Campbell。两人合作的惊人之处就在于，虽然不是同步完成，但是歌曲中的演唱和乐器伴奏却丝毫显示不出偏差。新作中Isobel Campbell和Mark Lanegan的配合日臻完美，Isobel Campbell的谱曲和Mark Lanegan独特的贝司伴奏在歌曲《The Raven》中的配合既是最好的例证，迷幻的弦乐、Mark Lanegan低沉的嗓音还有Isobel Campbell悠远的和声，造就了歌曲低暗的氛围。这队二人组合音乐的魅力很大程度上来自两人的对唱，幽怨、坚实相互交织。在《Who Built The Road》，《Come On Over (Turn Me On)》等歌曲中，两人带着点爵士自由成分的演唱显示了其独到的感觉；专辑中另一处幸喜来自部分歌曲中积极的感觉，《The Flame That Burns》中温暖的声音；《Something To Believe》清脆的口哨声，都带来了不同以往的感觉。Isobel Campbell和Mark Lanegan演唱时一致的情绪和两人默契的配合是这个组合最有说服力的特质。

 

Crystal Castles -《Crystal Castles》

Label：Different     

Date：2008.4

 

虽然《Crystal Castles》是一张十分出色的作品，但是要想真正体验到Crystal Castles音乐的强劲能量，最好的地方还是在现场。在8 Bit风潮正劲的时候这支来自加拿大多伦多的电子二人组合开始崛起，和诸如CSS、The Teenagers等复古加电子形式的乐队一样，Crystal Castles也是靠着强劲的8 Bit和八十年代复古舞曲的结合让人眼前一亮，而不同于前面乐队的是，Crystal Castles并不是完全靠旋律和搞怪取胜，他们简单直接的音乐完全是依靠强大的鼓动性而赢得众多年轻人的追捧。除了如雨点般的电子节奏，女主音Alice清脆，却有着车库摇滚般暴发力和粗糙感的演唱也是乐队突出的一点。将自己风格定义为“Thrash / Thrash / Thrash”的Crystal Castles显然是要靠着电子的舞动节奏和朋克的爆发力来点燃听者的激情，在诸如《Air War》、《Courtship Dating》还有《Crimewave》等歌曲中，他们如闪电般迅速爆发的音乐的确能给人带来如触电般惊悚的感觉。虽然整体上都是秉承噪音的风格走向，但是歌曲中时而高亢、时而平稳的改变还是显示了乐队对于不同情绪的把握。Crystal Castles能制造出The Knife般的噪音，却可以更加强劲，如此具有鼓动性的音乐，生命自然是在现场。

 

 

 

Adem -《Takes》

Label：Domino  

Date：2008.5

 

几年前，因在与Kieran Hebden（Four Tet）组成的乐队Fridge中担当贝司手，Adem Ilhan而被人熟知，当时这队组合因新创了被称为“folktronica”的风格而走红一时。而如今，与Kieran Hebden趋向实验和电子的风格不同，Adem Ilhan延续了民谣的风格，在其第三张专辑《Takes》中，优美的民谣风得到了完全的体现。《Takes》实为一张翻唱作品，其中收录的歌曲都是在2001年到2003年之间发行的，而歌曲的选择都是依靠Adem Ilhan个人的喜好。单单从选录歌曲也能看出，Adem Ilhan音乐口味的丰富和独特。从主流大牌PJ Harvey 和 Smashing Pumpkins 到独立界重量级的Tortoise、Low和Yo La Tengo，甚至还有 Aphex Twin的两首作品，对于不同风格音乐的演绎体现了其的功底。Adem Ilhan完全用民谣的方式来演绎所有歌曲，带来了不同与原作的体味。PJ Harvey的《Oh My Lover》被褪去了邪恶的气氛，转而在温和、平稳中挥散；而原声版的Yo La Tengo的作品《Tears Are In Your Eyes》更是显露出凄美的感觉。专辑中最具新意的歌曲当数将Aphex Twin的两首作品《To Cure A Weakling Child》和《Boy Girl Song》合成一首作品，而有木琴的演绎让原先电子作品面目全非。而在对于Smashing Pumpkins和Bjork作品的处理上也显示了Adem Ilhan的过人之处。作为一位出色的唱作人，一张翻唱专辑自然不会成为其最出色的作品，但是其独到的翻唱倒是再次展示了独到的音乐理念。

 

 

Death Cab for Cutie -《Narrow Stairs》

Label：Atlantic 

Date：2008.5

 

Death Cab for Cutie 在美国独立界已算是大牌级的乐队。三年前，乐队依靠获得白金销量的专辑《Plans》而获得了“格莱美”的提名，而之前2003年的《Transatlanticism》同样达到了黄金销量，主唱Ben Gibbard的另一乐队Postal Service更是成为Nirvana之后Sub Pop旗下销量最好的乐队，如此成绩让人不得不对乐队新的动向更加关注。如今乐队成员都年愈三十，而他们对音乐的理解似乎更加成熟而沉稳。作为乐队的第六张作品《Narrow Stairs》就显示出了与以往不同的深刻而暗调的一面。虽然曲风有所改变，但是乐队一贯的主旨却没有变，依然是想做出直达听者心扉的音乐，专辑关系成长和改变，以及对于现实的妥协。专辑先行单曲《I Will Possess Your Heart》多少显示了乐队渴望大有作为的雄心，一首长达八分钟的作品，用了将近四分钟来铺垫，这在乐队之前的作品中是从未出现过的。而在乐器演奏方向，迷幻的吉他，间或响起的键盘还有坚实的贝司与之前注重节奏和旋律的演奏大相径庭。对于长篇幅歌曲的把握，Death Cab for Cutie倒是做的到位，只是在歌曲表现方面略显单调。

作为能获得主流乐队销量的独立乐队来说，Death Cab for Cutie的压力可想而知，与其处在同样地位的Modest Mouse和The Decemberists都在为自己签入大场牌后的道路绞尽脑汁，而如今Death Cab for Cutie在《Narrow Stairs》做出的改变也可以看作是乐队一种走向成熟的尝试。

 

No Age -《Nouns》

Label：Sub Pop 

Date：2008.5

 

关于这支来自美国加洲的二人组合，最让人吃惊的是，两位成员是如何做出庞大场面的噪音却又不失旋律和整体性。No Age最初的成名是因为在以噪音、朋克、实验因为为主的俱乐部The Smell里的表演，而在发行完多张EP专辑后D. Spunt 和R. Randall终于带来了正式专辑《Nouns》。酷爱采样的No Age并不注重歌曲中的空间感和节奏感，反而对音乐的直接表现力十分在意，这就成就了乐队大量吉他噪音墙和采样的叠加，作品的冲击力十足。专辑开场曲目《Miner》既是乐队最典型的程式，起于阴暗，落于阴暗，期间则是跌宕的情绪胶结。No Age最擅长的表达方式就是将优美的旋律隐藏在强大的噪音墙下面，由此带来的聆听感受强烈而持久。歌曲《Eraser》开头充满阳光味道的吉他有着Beach Boys般温暖感觉，随后的噪音和神经质的唱音则带来更为迷幻的感觉；诸如《Sleeper Hold》和《Here Should Be My Home》等作品中展现的则是扭曲的吉他效果和极其有力的冲击感。与乐队在前一张作品《Weirdo Rippers》的表现相比，No Age此番的表现实验性减少，不过却更加成熟，作品也是更具有整体感，对于一张非常情绪的作品来说，闭目聆听是种不错的感受方式。

原文地址：http://ent.qq.com/a/20080714/000125.htm

以前的摇滚变色龙是David Bowie，现在的变色龙是Beck。 两者不同的是，除了音乐上的古怪David Bowie还依靠自己华丽怪异的装扮；Beck的“变”则全都表现在自己的音乐上。从1994年出道开始，Beck就显示出了自己不安分的个性，说唱、民 谣、迷幻、布鲁斯、电子全都成为他把玩的音乐。从他身上人们发现，原来音乐还可以这么玩，看似风马牛不相及的风格在他天马行空的想象下就成为异常瑰丽的音 乐。再加上带着诗人情怀和科幻作家般奇异想象的歌词，还有超乎想象的作品产量，使得Beck成为最不容忽视的角色之一。

Beck从来就不按常理出牌，新专辑《Modern Guilt》的发行再次证明了这一点。去年Beck发行了单曲《Timebomb》，很多人都会以为此曲将是其新专辑的预演，但是《Modern Guilt》一出，所有抱有这样想法的人都会为自己的断言而后悔，因为《Modern Guilt》完全是另一种味道。新作依然是一张无法按照风格归类的作品，电子迷幻？还不足以概括其全部。不过新专辑倒是深深地打上了Danger Mouse的印记，一个是全能歌手，一个是超级制作人，Beck和Danger Mouse的强强联手，让不少人都等着看好戏。纵观Beck历年来的作品，制作人在其中扮演了相当重要的角色，从Dust Brothers担当制作的“格莱美”获奖专辑《Odelay》开始，再到最近的《Guero》（Dust Brothers制作）和《The Information》（Nigel Godrich制作），都获得了一致的好评。一直以来Dust Brothers就是Beck的御用制作人，不过在起用为Radiohead等乐队打造过专辑的名牌制作Nigel Godrich取得不错效果后，Beck似乎想继续尝试新的制作人，Danger Mouse就此出现了他的视野中。

不过，和歌迷之前热切的期望相比《Modern Guilt》确实有点平庸了。作为在每张新专辑中都会推倒之前的尝试，重新树立起自己新风格的Beck，《Modern Guilt》显得过于平稳，没有太多新意，所有歌曲几乎就是同一个模子里套出来的。问题所在应该是Danger Mouse过于依赖自己特有的简单格式，急促的节奏加上简单却悦耳的贝司流线，这样的程式在其和Cee-Lo Green合作的组合Gnarls Barkley中就屡试不爽。Danger Mouse未做丝毫改动就照搬给Beck，除了依然保存Beck之前作品优美的旋律外《Modern Guilt》中不少歌曲倒是与Gnarls Barkley最近的专辑《The Odd Couple》有雷同的感觉。开场的两曲《Orphans》和《Gamma Ray》 即刻让人误以为是听到了Gnarls Barkley的歌曲，简单的鼓点，循环的旋律，如果不是Beck在唱，完全就是如假包换的Gnarls Barkley出品；《Replica》中循环的鼓机，灵歌的味道，迷幻的氛围更是进一步显露了Gnarls Barkley的影子，如果之前没有Gnarls Barkley的存在，Beck的这些作品倒算的上是上乘之作了。

多少值得庆幸的是Danger Mouse并没有让整张作品都落入到Gnarls Barkley的怪圈中，Beck还是凭借自己拼接和移嫁的工夫奉献出几首精彩的歌曲。《Chemtrails》即在富有变化的鼓点、起伏的旋律还有飘渺 的人声中制造出Flaming Lips般的迷幻氛围，歌曲末段具有爆发力的吉他Riff的加入为歌曲画上了完美的句号。《Walls》则是完全依靠弦乐和和即兴味道浓重的鼓点架构起歌 曲的松弛感，小提琴的伴奏还带着强烈的东方味道；《Soul Of A Man》中强烈的吉他Riff奠定了整首歌曲的压迫感，不过Beck略显迟缓的演唱让歌曲细节处显露出松弛，强烈工业的感觉在整张专辑中显得尤其突出。另 外一点，《Modern Guilt》中的歌词水平依然保持了Beck“诗人”的名号，被赞誉为歌词能与Bob Dylan相媲美的 Beck秉承了自己诗化的风格，歌词大多关于自省和冥想，走在浮华都市的空荡街道上；身处于空旷的大厅里；身边的墙壁倒塌在你身上，Beck歌词的力量往 往蕴藏与空想里，然后放出异样的光芒。

虽然流畅、好听，但《Modern Guilt》似乎不会给人留下太深刻的印象，两个超级明星的合作并没有达到一加一大于二的效果，主要问题出在Danger Mouse的制作没有新意，不得不让人开始怀恋Dust Brothers的制作了。不过考虑到Beck依然处在艺人生涯创造力勃发的阶段，Danger Mouse和Beck两人又是如此高产的乐手，而且两人似乎并没有就此歇菜的迹象，因此我们尽可以将希望寄托到他们下一次的合作中，前提是Beck还愿意 再次选择Danger Mouse。 文/英伦猫

腾讯网专稿 转载请注明出处

 

 

 

正值出道十年之际，来自美国的Soul和R&B歌手 Erykah Badu在生日当天发行了自己的新专辑《New AmErykah, Pt. 1: 4th World War》，这张专辑是其New Amerykah 两部曲的第一部分。新专辑请来了Jay-Z, Nas和Mary J. Blige等说唱歌手的制作人9th Wonder 担当专辑的制作。新作中Erykah Badu一改前作中Sade式轻吟式的唱法，转而尝试更具节奏感的Funk和Hip-hop， 2006年说唱歌手 Nas曾发出话，hip-hop已经完蛋了; 而如今New Amerykah却说，''它（hip-hop）比宗教信仰更神圣，比一切政府都要重要。''从新作的命名，还有专辑封面就能看出《New AmErykah》是关于战争还有宗教的话题，被称为“灵魂之窗”的Erykah Badu自然能给歌迷带来心灵的震撼，因为她向来就把自己当作灵魂的产物，然后才是女人。

 

文章地址： http://ent.qq.com/a/20080219/000200.htm

文/英伦猫

要从2007年里找出一件最具影响力的事件那必然是Radiohead网络发行专辑《In rainbows》，关于这件事情的革命性众多媒体都已大肆渲染，Radiohead想得到的也正是这样的注意力，在不花一分钱宣传费的情况下得到全世界的注意。Radiohead是铁了心要与传统唱片工业叫板，继2007年年底，通过网络直播在纽约的新年演出后，乐队又在家乡英国举行多场免费演出（演出同样通过网络直播），Thom Yorke更是公开支持歌迷们通过Youtube等视频交流网站分享演出现场的画面。一边是Radiohead坚持着我行我素，另一边《In rainbows》的“后遗症”也仍在继续，名不见经传的Amplive就将《In rainbows》的部分作品混音制作出一张《RainRain所有音乐专辑ydayz Remixes》，与Radiohead的选择一样，专辑同样是通过网络下载发行，当然也是免费的。

Amplive对于很多人来说还是张新面孔，他只是美国加州一个小有名气的DJ兼制作人，大部分时间除了与独立音乐人合作外，还靠给一些主流歌手做混音出头露面，比如像说唱歌手Akon、流行组合Pussy Cat Dolls 还有Linkin ParkLinkin Park所有音乐专辑都曾与他合作过。身为黑人艺人的Amplive是玩电子和Hip-hop的高手，精通Breaks、House、Dance还有Drum ‘n bass 等风格，他将《In rainbows》作品混音的结果就是让Radiohead唱起了Hip-hop。《Rainydayz Remixes》里共收录了八首作品，其中请来了Too $hort、Zion I 乐队的MC，Zumbi，Jurassic 5乐队的Chali2na还有Del the Funky Homosapien为歌曲献声。关于专辑制作的初衷，Amplive多少有借着Radiohead的大名为自己挣得关注的嫌疑，不过单从音乐角度来说，将Radiohead的音乐做成Hip-hop的样子的确是有不少看头，歌曲中除了部分片段还能听到Thom Yorke标志性的病态声音，完全是Hip-hop的路子，最直观地就是歌曲的命名，包括专辑名在内几乎每首歌曲中最后一个词都以“z”结尾，典型的黑人说唱文化。在歌曲处理方面八首歌曲也是各有特色，《Video Tapez》以原作里的钢琴开始，随后就是大段的黑人说唱，在节奏上也比原作快了一拍；《Nudez》则是保留了原作舒缓的旋律，只是在人声处理方面做了特效；《Weird Fishez》将原作中迷幻的吉他流线改成了电子脉冲，空间效果更加强烈；《All I Need》将原来独立电子味道的歌曲改成了舞曲十足的作品，《15 Stepz》将原作的碎拍节奏以Drum ‘n bass替代，而歌手灵歌式的唱腔也是别有韵味；《Reckonerz》则用管弦乐的伴奏代替了原作略带Trip-hop的电气效果，Thom Yorke飘渺的声音在黑人的说唱中时隐时显，听起来多少还有些奇怪，这首歌曲应该是专辑中改的最彻底的一首作品；《Faustz》则是保留了原作中的钢琴伴奏，声音的处理也没有太多的改动。整张专辑听下来给人的感觉就是Amplive打着Radiohead旗号的一张个人专辑，在音乐上它并没有做到有多出色，只是满足了不少歌迷的好奇心理。

《Rainydayz Remixes》的面世还经受了一番周折，为了得到 Radiohead方面的允许Amplive也是经过了多次努力，索性的是最终双方达成了协议。《Rainydayz Remixes》可以说是与《In rainbows》如出一辙的作品，首先从专辑的制作方面，两者都是完全独立制作。Radiohead解除了与EMI的和约自行制作专辑，而 Amplive更是轻车熟路的独立制作人；其次从专辑的发行方面，两者都是网络发行，而且都是分文不取。不过即便Amplive照着Radiohead路子制作出一张专辑，两者在影响力上还是大有不同的，以Radiohead的地位，他们的做法就能成为“革命”，而作为追随者Amplive的行为最多只能为自己提高点知名度，为歌迷们带来点新鲜感觉而已，除此之外再无其它。

 Jack Johnson：冲浪手爱环保

全文地址：http://ent.qq.com/a/20080213/000074.htm