Chasez&英伦猫

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（文/英伦猫）达蒙-奥尔本（Damon Albarn）是出了名的爱折腾。从Brit-pop时期的Blur乐队开始达蒙-奥尔本就是一副玩世不恭的中产阶级“小玩闹”样子。乐队解散后奥尔本反 倒更加来劲，先是虚拟乐队Gorillaz，然后是明星收容所的乐队The Good, The Bad & The Queen，甚至还一度放下吉他摇滚跑 到非洲去探索那里的世界音乐。以往的经验表明，摇滚明星接触世界音乐的下场都不怎么样，网罗过气大牌组建乐队也不明智，涉足歌剧表演更不是什么好事，现在 的达蒙-奥尔本已经完成了前两个禁忌，结果还算说的过去，而在涉足歌剧上似乎风险更大，他的前辈皇后乐队算是少有的成功者。索性的是达蒙-奥尔本足够有 才，足够有冲劲，他用一部最近在欧洲大受欢迎的现代歌剧，《美猴王：西游记》（《Monkey: Journey to the West》）证明了自己不再是小打小闹的乐手，已经完全是一副艺术家的风范。

先说话剧《美猴王：西游记》。中国人的童年记忆中，孙悟空和西游记是不可或缺的内容，《美猴王：西游记》正是根据中国四大古典名著之一《西游记》(大陆版 香港版 日本版) 改编，除了达蒙-奥尔本，中国的戏剧导演陈士争还有奥尔本老搭档先锋漫画家杰米-休依特（Jamie Hewlett）都参与到了其中，用点冠冕堂皇的话说这是“中西文化的一次大碰撞”，碰撞出的火花还算不小的，真应了那句，外来的和尚好念经。如果无法现 场感受歌剧的魅力，单单看英国BBC电视台 启用奥尔本和杰米-休依特为其制作的2008年北京奥运会宣传片的片段就能管中窥豹地知道全长的话剧该多有意思，这对于中国观众来说，完全可以用震惊来形 容。其实，震惊之余还有点嫉妒，怎么说也是我们自己的东西，却被外人玩得如此好，再看看之前国内新版的电视剧《西游记》，跟奥尔本几人搭档的作品简直就是 天与地的差别。我们只能安慰自己，这叫“旁观者清”，无压力一身轻的外国人能以新的角度来审视经典，也不用背上什么包袱，想怎么改就怎么改，改好了那就真 成了艺术了。

再说原声专辑《美猴王：西游记》。就像任何电影和 原声专辑的关系一样，原声远没有电影本身的震撼力大，理由也简单，视觉加听觉的感染力自然要比单纯的视觉来的多。不过这并不意味着原声就一定成为鸡肋，对 于以音乐起家的奥尔本来说自然还是音乐最能显示他的功底。从话剧到动画片，再到《美猴王：西游记》这张原声专辑，达蒙-奥尔本可谓是完成了漂亮的三级跳， 专辑《美猴王：西游记》的出现还是有迹可寻的，2002年达蒙-奥尔本就已经在专辑《Mali Music》中尝试了世界音乐，因此在《美猴王：西游记》只是轻车熟路重复之前的过程，奥尔本作曲抓住的就是中国音乐中五音阶的特色。在收录了二十二作品 的专辑中我们能听到中国民乐和欧洲音乐的融合，所有作品都用中文演唱，配器方面则是中国民乐和西方经典音乐模式的衔接，电子、先锋音乐的成分很重。奥尔本 基本上做出了自己所能想到一切音乐，在一些短小的作品中，《Monkey's World》里的电子鼓；《Into the Eastern Sea》和 《Out of the Eastern Sea》里简洁的合成器；《Heavenly Peach Banquet》中键盘和弦乐的配合还有《The Living Sea》里的曼陀林都奏出了难得的美妙旋律。短小的作品还只是奥尔本的略施小技，在部分真正具有歌剧味道作品中才真正显示出他严肃艺术家的做派，甚至怀疑 他在做这些音乐前认真研究过肖斯塔科维奇、菲利普-格拉斯还有史蒂夫-里奇等作曲家的作品，《March of the Volunteers》中明显有着俄国作曲家肖斯塔科维奇的影子；而在《Confessions of a Pig》和《Battle in Heaven》中菲利普-格拉斯还有史蒂夫-里奇的影响也很明显，三首歌曲都将轻飘的中国乐器和宏大的歌剧氛围很好地结合在了一起。也许是奥尔本过于依赖五音阶来写歌的缘故所以歌曲多少有点雷同的感觉，但整体来说仍旧是一张十分有厚度的作品，而且张驰有度。

达蒙-奥尔本让我们相信，他的“不务正业”是有道理的，在探究音乐极限的同时也在探究着自己的极限，他到底还有多少未开发的能力？现在还未有定论。文/英伦猫

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（文/英伦猫）一支乐队里容不下两个天才。主唱和吉他手之 间的矛盾重重似乎已经英国乐队中的惯例，Blur乐队里的主唱Damon Albarn和吉他手Graham Coxon；“山羊皮”乐队里的主唱Brett Anderson和吉他手Bernard Butler都是最终踏上不欢而散的路。作为同一时期的乐队，The Verve也不例外，主唱Richard Ashcroft和吉他手Nick McCabe之间的不和是由来已久的。之前两人各自耍了一次性子，乐队糟糕的第二张专辑《A Northern Soul》发行后Richard Ashcroft离开了乐队，随后Richard Ashcroft回心转意要重组乐队， 但是Nick McCabe却拒绝回归，虽然最后还是回到乐队中，但在乐队发行了至今最出色的专辑《Urban Hymns》之后Nick McCabe又离开了乐队。如此折腾看来两人真有点水火不容的意思，因此2007年乐队宣布再次重组时，歌迷们也司空见惯了，索性的是两人都回到了阵容 中，这对于保持The Verve乐队的水平至关重要。

对于乐队的回归，英国人很给面子，著名的格拉斯顿伯里音乐节就给了The Verve一个压轴的位置。在正式专辑出来之前，The Verve乐队在音乐节上首次演出了新单曲《Love Is Noise》，有幸听到歌曲的歌迷都高呼“The Verve回来了！”的确，虽然略显简单，但旋律 极其优美、上口的《Love Is Noise》足有望成为又一首《Bittersweet Symphony》。乐队将《Love Is Noise》定为打头阵的歌曲是有道理的，就是想简单直接地抓住歌迷的神经； 不过，按照之前的经验，我们应该有这样的准备，作为乐队的第四张专辑《Forth》，不可能首首都像《Love Is Noise》一样抓人；就连乐队被奉为经典的《Urban Hymn》也没能有太多的经典曲目。《Love Is Noise》是专辑中唯一一首常规意义上好听的歌曲，其它歌曲完全落入了乐队得以成名的浓烈的迷幻氛围中，在几乎所有英国乐队都在变得更加通俗，易懂 时，The Verve却还要高举“艺术”的旗帜，这样的做法只能说明一点，乐队回来不是为了钱，只是为了音乐，还要更有利的证据？Richard Ashcroft已经对外宣布，他还将继续单飞！

其实The Verve真正擅长的不是旋律，而是迷幻的艺术气质和复杂的编曲，这很合Richard Ashcroft的诗人气质，还有Nick McCabe善用效果器的吉他技巧，这俩人能凑到一起不容易，能做出一张完整的专辑就更不容易了。The Verve复出依然玩迷幻，Richard Ashcroft就是一迷幻的主儿，无论是乐队还是单飞他就爱自己的调调里自我陶醉。早在去年通过网络传播的歌曲《Thaw Sessions》已经显露了这样的趋势， 奇怪、扭曲和冗长的歌曲毫不遮掩地告诉大家，Richard Ashcroft依然把持着乐队的方向；幸好Nick McCabe还能在编曲上有所主张，至少他能将《Forth》里每首作品都向七分钟的长篇幅发展。新作里的开场曲《Sit and Wonder》可谓赢得了开门红，Nick McCabe的吉他技巧依然精妙，效果器的运用不减当年的神韵，Richard Ashcroft的演唱状态也恢复到最佳，这首先前在各大音乐节上掀起高潮的作品录音版更让人着迷。专辑里另一首长篇歌曲《Noise Epic》倒是有着Sonic Youth的噪音程式，吉他噪音墙和稳定的鼓点铺陈出情绪爆发的基础， 惟独不同的是Richard Ashcroft的耳语要比Kim Gordon的唱美妙得多。剩下的作品就落入了“不那么抓人”的境地里，在不少歌曲中The Verve之前的影子依然明显，《Judas》里的轻飘和安静让人想起乐队早期的歌曲《She’s A Superstar》；《Columbo》里诡异的贝司流线，还有歌曲中段的节奏变化则是带着《Man Called Sun》的感觉；《Valium Skies》则是让我们重新见识了曾经一度善于制造宏大气氛的The Verve，只不过现在的The Verve要比之前模仿Oasis乐队，为迎合大场面而一味制作大 气歌曲的那支乐队要成熟了。按照惯例，《Forth》里出来一首经典的《Sit and Wonder》已经能让歌迷们满足了，还缺少什么了？缺少一首足够让人感动涕淋的歌曲，在过去的十年里The Verve唱出了《Lucky Man》、《History》、《The Drugs Don't Work》还有《Bittersweet Symphony》，而在新专辑里却没有说服力的歌曲，姑且只能让《Love Is Noise》来充当这个角色。话说回来，一支乐队经典一次已经实属不易，要拿《Urban Hymn》来衡量《Forth》实在有点苛刻，况且The Verve在《Forth》里表现并没有砸自己的招牌，加之乐队很有可能做完这张《Forth》就又各自忙各自的去了，多少也让这张专辑显得珍贵。这是一 张需要反复聆听才能听出味道的作品，就像Richard Ashcroft写歌要费劲心思一样，聆听他的作品同样需要花够心思。

最后来说下Parlophone公司为《Forth》发行制定的方案， 专辑发行正赶上英超联赛新赛季的开始，公司将消费群体定在了“25岁到40岁之间的男性”，不得不说公司的方案有点失败，你能期望英国的球迷们在张望新赛 季的同时也来关注自己的音乐口味？况且The Verve的音乐并不能提供他们足够的荷尔蒙，这种推广方式还是适合The Fratellis乐队的《Chelsea Dagger》这类的歌曲！ (本文来源：网易娱乐专稿 )

 Bloc Party刚刚于昨天对外宣布，乐队的第三张专辑《Intimacy 》将于8月21日通过乐队官方网站发行。

乐队在早些时候就称新专辑将做出歌迷们熟悉的诸如《Helicopter》《Banquet》还有《So Here We Are》等歌曲的样子。

今天乐队新歌曲已经放到了Myspace上，这里可以试听： Trojan Horse

新歌曲承接先前发行歌曲《Mercury》的实验气质，吉他十分的神经质，歌曲后段倒是与CSS混音版本的《Mercury》十分相似。两首新歌给人最大的印象就是实验味道的加重，吉他的成分有所减少，看来如今单纯的吉他摇滚确实不好做啊，加电才是硬道理。

 

 CSS混音版 《Mercury》

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 艾萨克-哈耶斯经典造型

 

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（文/英伦猫）2008年8月10日，美国著名的“灵魂”歌手艾萨克-哈耶斯(Isaac Hayes)因脑中风而去世。再过几天就是猫王埃尔维斯-普雷斯利去世三十一周年的忌日；著名演员伯尼-麦克（Bernie Mac）也在拍摄完有哈耶斯参演的电影《灵魂歌手》（Soul Men）后去世，当地人将这一周称为“死亡周”。电影《灵魂歌手》本是为纪念著名灵歌组合Sam & Dave的，而如今哈耶斯也将被列入其中，这位仅差十天就将跨过66岁门槛的老歌手用如此突然的方式结束了自己传奇的一生，虽然算不上是什么震惊的大事，但几乎所有美国媒体都将这个消息放在了重要的位置。

科特-科本(Kurt Cobain)、尼克-德雷克（Nick Drake）还有伊恩-科蒂斯(Ian Curtis) ，这些“青年才俊”的死让人惋惜，因为在生命曲线还 未能达到顶点时他们自行停止了，这样的沉重是让人难以接受的；甚至连人到暮年的西德-巴雷特(Syd Barrett)在家中安详地辞世时，也有人唏嘘不已，因为他的生命还存在着假设，假设在乐队刚起步时没有吸毒，他也许就将改变伟大的Pink Floyd乐队，甚至是摇滚乐的历史。与他们不同，艾萨克-哈耶斯走地很安静，他的追随者也只怀有安静的悲痛，没有任何假设、或许和起伏，很自然地结束。 艾萨克-哈耶斯的一生是典型的黑人成长史，从悲苦的童年开始，经过奋斗最终获得成功，他可以像迈克-乔丹、拳王阿里一样成为黑人父母教导孩子的榜样，他甚至是白人世界中的一个坚挺的人物，2002年入选摇滚名人堂已经说明了一切。65岁，到此可以说他的一生已经画上了圆满的句号，作为他的歌迷有理由让他这样离去，他的价值在之前的时日里已经完全地体现了出来。

之所以说艾萨克-哈耶斯的一生已经算是圆满了是因为他几乎做到了我们所能想象的所 有事情。首先，身为黑人的艾萨克-哈耶斯在完成自我奋斗的同时还依靠自己的影响力为黑人的民权运动造势，在自救和他救中一位具有社会责任的公众人物形象突 显出来，“我努力地成功只是为了有能力来改变这一切”。他的一切行为都是为了让这个世界记住他是一个黑人，1997年哈耶斯担任动画片《南方公园》中“厨师”一角的配音，这部在北美，乃至全球红及一时的动画片让哈耶斯的事业再次达到高峰，但随后哈耶斯却主动退出了配音工作，原因是动画片中的某些情节触犯了他信仰的基督教科学教派（Scientology）。哈耶斯个人认为“厨师”是他在合适不过的身份，因为他对孩子们慈祥，对女士们友好。

再次，作为歌手的艾萨克-哈耶斯将自己的才能发挥到了极至。二十七岁开始正式音乐 创作的哈耶斯并不属于天才一类，但是他的多才让他成为影响黑人文化以及美国音乐的主要人物。在现在的美国年轻人对诸如50Cent这样带着金项链、金戒 指，一嘴脏话的说唱歌手趋之若骛时，孰不知这些都是哈耶斯玩剩下的，早在1960年哈耶斯就以光头、金项链形象出现在专辑《Hot Buttered Soul》的封面，其实在这以前他的这身行头已经成为了流行符 号。哈耶斯的身后是美国的孟菲斯，布鲁斯和摇滚乐的发源地，虽不是地道的孟菲斯人，但哈耶斯的一生却真正开始于这里，他成为“孟菲斯之声”重要的一份 子，The Beatles、The Rolling Stones等几乎所有在流行音乐史上留过名的乐队都受到了这股风潮的影响。在Stax场牌里担当多年键盘和钢琴手后，哈耶斯个人最辉煌的时刻来自 1972年的电影《夏福特》，其为电影制作的原声专辑赢得格莱美、奥斯卡、金球奖等多项音乐大奖，他也成为第一个达到如此高度的非裔美国人，由此他被称为灵魂乐的教父，BB King、强尼-凯什（Johnny Cash）、Al Green还有埃尔维斯-普雷斯利这些风行美国几十年，最后成为美国人财富的明星中最终留下了哈耶斯的名字。

1968年4月4日，著名黑人领袖马丁-路德-金遭暗杀身亡，曾经参加过其领导的民权运动的哈耶斯本计划在当天与马丁-路德-金会面。面对领袖的死，哈耶斯表示他改变不了事实；而如今哈耶斯也离开了，就让我们来安静地为这个慈祥和蔼的“厨子”祈祷吧。

Radiohead说的那句“人人都能弹吉他”很有道理，要不是纯玩技术，摇滚乐其实就那么回事，谁都能玩玩，唱自己想唱的最重要。

天津这地方金属的味道太浓，以至于其他形式的音乐很容易就被忽视了，独立、英式，说唱等等。之前不清楚，但印象中天津的说唱很少 ，就知道有个功夫乐队。比起功夫乐队的偏主流，最近知道的天津饭很草根，给人的感觉，至少是天津人很亲切，那几句脏话一出就能给人点激动，说唱要的就是自由和真实，要不带“脏”怎么能叫说唱？

天津饭的音乐技术不算出色，真正给人印象的还是结合天津相声、曲艺等特色的说唱特色。主打歌《牛B的天津》 绝对能唱出很多天津人的心声，共鸣就是这么产生的，要是现场演出，这样的歌曲的能量会更大。

中国的说唱生存之道就是地域性，北京的CMCB，隐藏等算是立稳脚跟的乐队，他们京味的说唱正是因为足够北京才让人佩服的。天津自来以曲艺之乡闻名，这里的摇滚是不是也点沾染点曲艺的习气才能出名了？之前的发条卡目索在北京很受欢迎，自然是因为他们很天津。

天津饭也出了不少歌曲了，是时候出成绩了！

 

 

天津饭主打歌：《牛B的天津》试听：http://www.songtaste.com/play.php?song_id=134432

天津饭所有歌曲收听地址：

http://www.songtaste.com/user/album/a99208

 

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《滚石》杂志创始人简·温乐（Jann Wenner）展示新版杂志。

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（文/英伦猫）从10×113/4英寸到8×11英寸，著名的《滚石》杂志三十年不变的大本设计即将退出历史舞台。三千名读者有幸提前体验正常尺寸的《滚石》，对于“缩水”后的杂志读者普遍表示欢迎，更重要的是广告商们反响积极。

Adidas的“三条杠”、Nike的“对勾”、可口可乐的经典曲线瓶，如此经典的商标以及 外包装设计足以让人隔着条街道就能识别出，大本设计的《滚石》杂志同样如此。但对于这本美国最大的音乐杂志来说，十月份就将告别大本时代，一切都将成为怀 旧。鲍勃-迪伦放下木吉他拿起电吉他唱摇滚，摇滚乐史上的一次革命就此开始；《滚石》改变杂志尺寸的是否又是一个时代的改变？

《滚石》此番的改变是冒了风险的。众所周知，怀旧、认熟是商品销售的一大动力，要知道建立起 自己的品牌不是一朝一夕的事情，但为了更好地生存，权衡利弊间《滚石》最终放弃了传统，改变的背后商业利益起了决定因素。首先《滚石》的大本明显不合时宜 了，要放在报厅或者杂志摊上出售，《滚石》的遭遇经常是被放在最下面或者最上面的位置，离开了消费者的正常视线，更有甚者会被折叠，卷在一边，这对于一本 有品位，有影响的流行文化杂志来说实在是太掉价了。另一方面就是更加实在的商业利益，销量是杂志生存的基础，此为《滚石》的燃眉之急，《滚石》总体的发行 量已达到了150万份，但是网络冲击下杂志的零售情况每况愈下，1999年还有189,000份，到了去年却只有132,000份的销量了。以《名利场》 杂志为例，《滚石》的总销量要远远高于前者，但是杂志零售销量还不到《名利场》的三分之一，《滚石》改变成正常尺寸正是为了拥有和其它杂志同样的竞争力。 牵一发动全身，尺寸变化带来的更大好处是能吸引更多的广告商，最直接的好处就是广告商们不用再为了适应《滚石》的大版面而费钱费力改变自己的广告了。

在外人眼里美国的商人都是“惟利是图”的资本家，但作为经商，“利”乃天经地义的事情。网络 对于传统媒体的冲击是不言而喻的，像《滚石》这样为了提高收益而降低成本的做法并不在少数，商场里只看谁活的长，不看谁活的好，因此《滚石》并不是忘本， 他们只是为了在延续优良传统的同时更好地生活。其实作为读者关心的问题不是尺寸大小，而是《滚石》尺寸上的缩水会不会带来内容上的缩水？对于这个问题可以 用“换汤不换药”来做答，“我们在进步，但是杂志的宗旨和使命从来没有改变过”《滚石》的创始人简-温纳如是说。1967年就创刊，几十年的积淀既是本钱 也是责任，背负如此厚重的盛名和责任，作为一本可以囊括流行文化、摇滚音乐、时事政治的杂志来说，能走到现在《滚石》定然不会在内容上有丝毫怠慢，由于消 减尺寸，新版杂志还会增加16到20页的内容。

时代在变，杂志的受众也在变，《滚石》现在的读者群明显在低龄化，对于《滚石》的读者来说， 他们能打开电视看肥皂剧，也能在电脑上或者是iPhone手机上看，消费者对于尺寸的改变并不是多在意，因此《滚石》的缩水并不会引起多大的震动，也许只 有几十年如一日的老读者才会感觉别扭。在这个一切都要求标准化的时代里，美国的零售业、印刷业、营销业在过去的十年里经历了彻底的标准化，《滚石》杂志此 番的举动正是为了更好地与标准同步，所谓“适者生存”正是这个意思。

 

文/英伦猫

 原文地址：http://ent.qq.com/a/20080811/000161.htm

2008年北京奥运会开幕式的高潮来的有点早，巨型鼓阵、倒计时、烟火脚印，三项表演就足以 让人瞠目结舌。我们应该有这个心理准备，如此的强势不是中国，真正的中国是要广纳朋友，尽显友好之意。自国家体育场鸟巢的场地中央出现巨大的“和”字开 始，2008年北京奥运会的开幕式就进入了和谐的轨道，“以和为贵”、“和谐社会”的意旨贯穿始终，大气磅礴间尽显中国的“中庸之道”，擅长拍民族片的张艺谋将开幕式当成了《英雄》(电影版、美剧版)、《满城尽带黄金甲》还有《红高粱》的 合体，持续了将近70分的“尚古”趣味让大场面和中国传统元素两不耽误。应该为张艺谋鼓掌，因为他让世界了解了中国，在短短的几个小时里要全部展现中国五 千年的文化是不可能的，但是他让这不可能变得可能，外国媒体对开幕式一致使用“华丽”、“惊艳”的赞誉之词是有道理的。但这“华丽”和“惊艳”中还是存在 点让人尴尬的部分，主题歌就不那么让人满意。

历届奥运会开幕式都有三个看点，一是开幕式表演，二是点火仪式，三是奥运会主题歌。北京奥运 会开幕式在前两者上做得非常出色，想想体操王子李宁“飞天”三分钟点燃国家体育场主火炬的设计不知道让多少人为他捏了把汗。如果要为北京奥运会开幕式挑毛 病，那么主题歌《我和你》就应首当其冲，所谓三足鼎立，并不给劲的主题歌让这次开幕有点残缺。如果按照“和谐”为标准，《我和你》完全符合，简单的歌词， 简单的旋律足以成为亲近大众的大众歌曲，尤其简单的英文歌词会让为迎接奥运苦苦学习英语的中国人感到欣慰。优势在简单，问题也出在简单，这样一首简单的歌 曲让两位演唱者犯了难，一位是唱过《少年壮志不言愁》和《好汉歌》的铁血男儿刘欢， 另一位是有“月亮女神”之称的莎拉-布莱曼，两人之前的歌曲都以大气著称，而在《我和你》中两人似乎都被束缚住了喉咙，畏手畏脚地唱不出声，这样的尴尬毫 不逊于刘欢一身T-shirt参演让人大跌眼镜，所谓“最简单的其实是最难的”，只有简单的钢琴伴奏的歌曲能把一个歌手最好的一面表现出来，同时弱点也会 被放大。很难想象这是奥组委用了好几年时间征集，从几万首歌曲挑选出来的“精品”，历届奥运会主题歌都在两个方面下工夫，要么就是玩艺术，要么就是取流 行。巴塞罗纳奥运会请来英国“皇后”乐队主唱Freddie Mercury演唱《Barcelona》，歌剧化的表现让这首歌曲被奉为奥运会歌曲中的经典，希腊奥运会上的Bjork更是在着装和歌唱上玩尽华丽，此 为玩艺术中的上作；汉城奥运会流行组合高丽亚那演唱的《手拉手》，悉尼奥运会的由流行歌手Tina Arena 演唱的《The Flame》传唱度极其高，尤其是前者更是成为全世界通晓的名作，此为取流行中的精品。如果以这两项为标准，那么《我和你》很尴尬地处在两者之间，既不艺 术也不流行，流入鸡肋之作。相比于整场演出中其它的音乐，主题歌更是相形见拙，还不提最开始的巨形鼓阵的震撼力，单单运动员入场时的背景音乐就意味深长， 非洲手鼓、苏格兰风笛和中国传统戏曲组成了一幕世界音乐的画卷，真可谓世界大同。

话又说回来，按照开幕式“和”的主题，出现《我和你》这样的歌曲倒是在情理之中，而且歌曲还 深刻体现了中国人的为人之道——内敛。这首歌的词曲都很平实，歌手的演唱也是运用最基本的技巧，它不是一件伟大的艺术作品，它是中国人向世界展示自我的最 佳机会，既要有中国特色又要有世界性，京剧够中国，却少了世界性，《你和我》是化繁为简的东西，在看似国际化的元素大过中国元素的歌曲中使用了中国古老的 宫、商、角、徵、羽五个音级的创作方式，也就是这首歌听起来简单的原因。这首有点软的歌出现在了如此隆重的开幕式上自然有它的道理，但是自身的限制决定了 《我和你》也只能出现这一次。

不玩艺术和流行，《我和你》打的是亲情牌，“我和你在一起，心连心一家人”，这样的歌词很感人。

文/英伦猫

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