Chasez&英伦猫

《非音乐》杂志用稿 别随便就转载 要用告诉我一声

文/英伦猫

Isobel Campbell & Mark Lanegan -《Sunday At Devil Dirt》

Label：V2     

Date：2008.5

如果说《Ballad Of The Broken Seas》带来的是意外惊喜，那么《Sunday At Devil Dirt》则是在前作基础上进一步的成功。由Belle & Sebastian 前成员Isobel Campbell和 Screaming Trees 主唱Mark Lanegan搭档的二人组合秉承低调民谣和实验的风格，用最简单的乐器和低沉的吟唱来演绎沁人心脾的低沉音乐。与前作的录制方式一样，《Sunday At Devil Dirt》中两人依然是“远程合作”，Isobel Campbell完全负责歌曲的谱写，随后将完成的歌曲邮递给Mark Lanegan，后者完成录制工作并再次回递给Isobel Campbell。两人合作的惊人之处就在于，虽然不是同步完成，但是歌曲中的演唱和乐器伴奏却丝毫显示不出偏差。新作中Isobel Campbell和Mark Lanegan的配合日臻完美，Isobel Campbell的谱曲和Mark Lanegan独特的贝司伴奏在歌曲《The Raven》中的配合既是最好的例证，迷幻的弦乐、Mark Lanegan低沉的嗓音还有Isobel Campbell悠远的和声，造就了歌曲低暗的氛围。这队二人组合音乐的魅力很大程度上来自两人的对唱，幽怨、坚实相互交织。在《Who Built The Road》，《Come On Over (Turn Me On)》等歌曲中，两人带着点爵士自由成分的演唱显示了其独到的感觉；专辑中另一处幸喜来自部分歌曲中积极的感觉，《The Flame That Burns》中温暖的声音；《Something To Believe》清脆的口哨声，都带来了不同以往的感觉。Isobel Campbell和Mark Lanegan演唱时一致的情绪和两人默契的配合是这个组合最有说服力的特质。

Crystal Castles -《Crystal Castles》

Label：Different     

Date：2008.4

虽然《Crystal Castles》是一张十分出色的作品，但是要想真正体验到Crystal Castles音乐的强劲能量，最好的地方还是在现场。在8 Bit风潮正劲的时候这支来自加拿大多伦多的电子二人组合开始崛起，和诸如CSS、The Teenagers等复古加电子形式的乐队一样，Crystal Castles也是靠着强劲的8 Bit和八十年代复古舞曲的结合让人眼前一亮，而不同于前面乐队的是，Crystal Castles并不是完全靠旋律和搞怪取胜，他们简单直接的音乐完全是依靠强大的鼓动性而赢得众多年轻人的追捧。除了如雨点般的电子节奏，女主音Alice清脆，却有着车库摇滚般暴发力和粗糙感的演唱也是乐队突出的一点。将自己风格定义为“Thrash / Thrash / Thrash”的Crystal Castles显然是要靠着电子的舞动节奏和朋克的爆发力来点燃听者的激情，在诸如《Air War》、《Courtship Dating》还有《Crimewave》等歌曲中，他们如闪电般迅速爆发的音乐的确能给人带来如触电般惊悚的感觉。虽然整体上都是秉承噪音的风格走向，但是歌曲中时而高亢、时而平稳的改变还是显示了乐队对于不同情绪的把握。Crystal Castles能制造出The Knife般的噪音，却可以更加强劲，如此具有鼓动性的音乐，生命自然是在现场。

Adem -《Takes》

Label：Domino  

Date：2008.5

几年前，因在与Kieran Hebden（Four Tet）组成的乐队Fridge中担当贝司手，Adem Ilhan而被人熟知，当时这队组合因新创了被称为“folktronica”的风格而走红一时。而如今，与Kieran Hebden趋向实验和电子的风格不同，Adem Ilhan延续了民谣的风格，在其第三张专辑《Takes》中，优美的民谣风得到了完全的体现。《Takes》实为一张翻唱作品，其中收录的歌曲都是在2001年到2003年之间发行的，而歌曲的选择都是依靠Adem Ilhan个人的喜好。单单从选录歌曲也能看出，Adem Ilhan音乐口味的丰富和独特。从主流大牌PJ Harvey 和 Smashing Pumpkins 到独立界重量级的Tortoise、Low和Yo La Tengo，甚至还有 Aphex Twin的两首作品，对于不同风格音乐的演绎体现了其的功底。Adem Ilhan完全用民谣的方式来演绎所有歌曲，带来了不同与原作的体味。PJ Harvey的《Oh My Lover》被褪去了邪恶的气氛，转而在温和、平稳中挥散；而原声版的Yo La Tengo的作品《Tears Are In Your Eyes》更是显露出凄美的感觉。专辑中最具新意的歌曲当数将Aphex Twin的两首作品《To Cure A Weakling Child》和《Boy Girl Song》合成一首作品，而有木琴的演绎让原先电子作品面目全非。而在对于Smashing Pumpkins和Bjork作品的处理上也显示了Adem Ilhan的过人之处。作为一位出色的唱作人，一张翻唱专辑自然不会成为其最出色的作品，但是其独到的翻唱倒是再次展示了独到的音乐理念。

Death Cab for Cutie -《Narrow Stairs》

Label：Atlantic 

Date：2008.5

Death Cab for Cutie 在美国独立界已算是大牌级的乐队。三年前，乐队依靠获得白金销量的专辑《Plans》而获得了“格莱美”的提名，而之前2003年的《Transatlanticism》同样达到了黄金销量，主唱Ben Gibbard的另一乐队Postal Service更是成为Nirvana之后Sub Pop旗下销量最好的乐队，如此成绩让人不得不对乐队新的动向更加关注。如今乐队成员都年愈三十，而他们对音乐的理解似乎更加成熟而沉稳。作为乐队的第六张作品《Narrow Stairs》就显示出了与以往不同的深刻而暗调的一面。虽然曲风有所改变，但是乐队一贯的主旨却没有变，依然是想做出直达听者心扉的音乐，专辑关系成长和改变，以及对于现实的妥协。专辑先行单曲《I Will Possess Your Heart》多少显示了乐队渴望大有作为的雄心，一首长达八分钟的作品，用了将近四分钟来铺垫，这在乐队之前的作品中是从未出现过的。而在乐器演奏方向，迷幻的吉他，间或响起的键盘还有坚实的贝司与之前注重节奏和旋律的演奏大相径庭。对于长篇幅歌曲的把握，Death Cab for Cutie倒是做的到位，只是在歌曲表现方面略显单调。

作为能获得主流乐队销量的独立乐队来说，Death Cab for Cutie的压力可想而知，与其处在同样地位的Modest Mouse和The Decemberists都在为自己签入大场牌后的道路绞尽脑汁，而如今Death Cab for Cutie在《Narrow Stairs》做出的改变也可以看作是乐队一种走向成熟的尝试。

No Age -《Nouns》

Label：Sub Pop 

Date：2008.5

关于这支来自美国加洲的二人组合，最让人吃惊的是，两位成员是如何做出庞大场面的噪音却又不失旋律和整体性。No Age最初的成名是因为在以噪音、朋克、实验因为为主的俱乐部The Smell里的表演，而在发行完多张EP专辑后D. Spunt 和R. Randall终于带来了正式专辑《Nouns》。酷爱采样的No Age并不注重歌曲中的空间感和节奏感，反而对音乐的直接表现力十分在意，这就成就了乐队大量吉他噪音墙和采样的叠加，作品的冲击力十足。专辑开场曲目《Miner》既是乐队最典型的程式，起于阴暗，落于阴暗，期间则是跌宕的情绪胶结。No Age最擅长的表达方式就是将优美的旋律隐藏在强大的噪音墙下面，由此带来的聆听感受强烈而持久。歌曲《Eraser》开头充满阳光味道的吉他有着Beach Boys般温暖感觉，随后的噪音和神经质的唱音则带来更为迷幻的感觉；诸如《Sleeper Hold》和《Here Should Be My Home》等作品中展现的则是扭曲的吉他效果和极其有力的冲击感。与乐队在前一张作品《Weirdo Rippers》的表现相比，No Age此番的表现实验性减少，不过却更加成熟，作品也是更具有整体感，对于一张非常情绪的作品来说，闭目聆听是种不错的感受方式。

以上是Oasis新专辑的封面拼盘式的设计，感觉跟以往不同。看完我第一个想到的就是Beatles的专辑。

专辑曲目：　（和上一张专辑一样，所选歌曲乐队成员都有参与）　
   　'Bag It Up'
　　'The Turning'
　　'Waiting For The Rapture'
　　'The Shock Of The Lightning'
　　'I'm Outta Time'
　　'(Get Off Your) High Horse Lady'
　　'Falling Down'
　　'To Be Where There's Life'
　　'Ain't Got Nothin''
　　'The Nature Of Reality'
　　'Soldier On'

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以前的摇滚变色龙是David Bowie，现在的变色龙是Beck。 两者不同的是，除了音乐上的古怪David Bowie还依靠自己华丽怪异的装扮；Beck的“变”则全都表现在自己的音乐上。从1994年出道开始，Beck就显示出了自己不安分的个性，说唱、民 谣、迷幻、布鲁斯、电子全都成为他把玩的音乐。从他身上人们发现，原来音乐还可以这么玩，看似风马牛不相及的风格在他天马行空的想象下就成为异常瑰丽的音 乐。再加上带着诗人情怀和科幻作家般奇异想象的歌词，还有超乎想象的作品产量，使得Beck成为最不容忽视的角色之一。

Beck从来就不按常理出牌，新专辑《Modern Guilt》的发行再次证明了这一点。去年Beck发行了单曲《Timebomb》，很多人都会以为此曲将是其新专辑的预演，但是《Modern Guilt》一出，所有抱有这样想法的人都会为自己的断言而后悔，因为《Modern Guilt》完全是另一种味道。新作依然是一张无法按照风格归类的作品，电子迷幻？还不足以概括其全部。不过新专辑倒是深深地打上了Danger Mouse的印记，一个是全能歌手，一个是超级制作人，Beck和Danger Mouse的强强联手，让不少人都等着看好戏。纵观Beck历年来的作品，制作人在其中扮演了相当重要的角色，从Dust Brothers担当制作的“格莱美”获奖专辑《Odelay》开始，再到最近的《Guero》（Dust Brothers制作）和《The Information》（Nigel Godrich制作），都获得了一致的好评。一直以来Dust Brothers就是Beck的御用制作人，不过在起用为Radiohead等乐队打造过专辑的名牌制作Nigel Godrich取得不错效果后，Beck似乎想继续尝试新的制作人，Danger Mouse就此出现了他的视野中。

不过，和歌迷之前热切的期望相比《Modern Guilt》确实有点平庸了。作为在每张新专辑中都会推倒之前的尝试，重新树立起自己新风格的Beck，《Modern Guilt》显得过于平稳，没有太多新意，所有歌曲几乎就是同一个模子里套出来的。问题所在应该是Danger Mouse过于依赖自己特有的简单格式，急促的节奏加上简单却悦耳的贝司流线，这样的程式在其和Cee-Lo Green合作的组合Gnarls Barkley中就屡试不爽。Danger Mouse未做丝毫改动就照搬给Beck，除了依然保存Beck之前作品优美的旋律外《Modern Guilt》中不少歌曲倒是与Gnarls Barkley最近的专辑《The Odd Couple》有雷同的感觉。开场的两曲《Orphans》和《Gamma Ray》 即刻让人误以为是听到了Gnarls Barkley的歌曲，简单的鼓点，循环的旋律，如果不是Beck在唱，完全就是如假包换的Gnarls Barkley出品；《Replica》中循环的鼓机，灵歌的味道，迷幻的氛围更是进一步显露了Gnarls Barkley的影子，如果之前没有Gnarls Barkley的存在，Beck的这些作品倒算的上是上乘之作了。

多少值得庆幸的是Danger Mouse并没有让整张作品都落入到Gnarls Barkley的怪圈中，Beck还是凭借自己拼接和移嫁的工夫奉献出几首精彩的歌曲。《Chemtrails》即在富有变化的鼓点、起伏的旋律还有飘渺 的人声中制造出Flaming Lips般的迷幻氛围，歌曲末段具有爆发力的吉他Riff的加入为歌曲画上了完美的句号。《Walls》则是完全依靠弦乐和和即兴味道浓重的鼓点架构起歌 曲的松弛感，小提琴的伴奏还带着强烈的东方味道；《Soul Of A Man》中强烈的吉他Riff奠定了整首歌曲的压迫感，不过Beck略显迟缓的演唱让歌曲细节处显露出松弛，强烈工业的感觉在整张专辑中显得尤其突出。另 外一点，《Modern Guilt》中的歌词水平依然保持了Beck“诗人”的名号，被赞誉为歌词能与Bob Dylan相媲美的 Beck秉承了自己诗化的风格，歌词大多关于自省和冥想，走在浮华都市的空荡街道上；身处于空旷的大厅里；身边的墙壁倒塌在你身上，Beck歌词的力量往 往蕴藏与空想里，然后放出异样的光芒。

虽然流畅、好听，但《Modern Guilt》似乎不会给人留下太深刻的印象，两个超级明星的合作并没有达到一加一大于二的效果，主要问题出在Danger Mouse的制作没有新意，不得不让人开始怀恋Dust Brothers的制作了。不过考虑到Beck依然处在艺人生涯创造力勃发的阶段，Danger Mouse和Beck两人又是如此高产的乐手，而且两人似乎并没有就此歇菜的迹象，因此我们尽可以将希望寄托到他们下一次的合作中，前提是Beck还愿意 再次选择Danger Mouse。 文/英伦猫

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对于已经树立起自己特色的乐队来说，丝毫的改变都是明显的，而且任何改变都会承担着风险，说 得夸张点，成功了就是蜕变，失败了就是末日。在乐队的第五张专辑中Sigur Rós就让所有人不知所措，在这张本来就很突然的专辑（专辑在完成一个月后即发行）中来自冰岛雷克雅未克的“精灵”们给了歌迷完全不同以往的感觉。从抽象 的飘渺和空灵到具体的声响和躁动，签约大公司后的Sigur Rós不免会让人觉得此种变化会带有商业化的味道，但变化和变化不一样，有的完全是拙劣的骗术，而已经有十年之久的Sigur Rós却让我们看到了蜕变的痕迹。在《Með suð í eyrum við spilum endalaust》之前《Ágætis Byrjun》应该是歌迷心中最标准的Sigur Rós音乐，空灵、飘渺、悲伤；而新专辑对于歌迷们的这种印象是一次颠覆。都说后摇到了瓶颈，即将寿终就寝，玩惯氛围音乐、喜欢低声吟唱的Sigur Rós这回加了清晰的人声、加强了鼓点、配上了管弦乐，还放声唱起了英语，的确是面目全非的感觉。

新作的录制首次在乐队家乡雷克雅未克以外的地方完成，伦敦、纽约、哈瓦纳，乐队四处奔波，录制出的音乐也是滋味各异；而在制作方面，乐队放弃了以往自行制作的惯例，转而请来曾制作过Nine Inch Nails的《The Downward Spiral 》和Smashing Pumpkins的 《Mellon Collie and the Infinite Sadnes》的Flood担当制作人。同时乐队受到拍摄记录片《Heima》时的启发，所有歌曲都侧重原生和本真。万事俱备，改变一触即发，单单看一眼 专辑封面就知道此番乐队会有着脱胎换骨的改变，阳光下裸奔着的男女完全不同于之前抽象和灵异感觉的素净封面。

在这张可以翻译成“伴随耳边细细的声响，我们尽情地玩耍”的专辑中Sigur Rós用了将近一半的篇幅来改造自己的音乐，整张专辑的主要看点也在这半个篇幅中，并不是说另一半不精彩，只是因为以“改变”为主题的专辑中显然能让歌迷 瞠目结舌的歌曲更为吸引人。作为专辑的先行单曲《Gobbledigook》即开门见山地混淆了视听，Sigur Rós标志性的如另一个世界作响的空旷旋律没有了；取而带之的是碎拍的鼓点以及让人不禁跳舞的非洲风味的节奏。歌曲虽然多了些躁动，却依然带着以往的清 醇，Jonsi Birgisson不加任何修饰的假声保证了音乐的轻飘感。多少让人有点大跌眼镜的是乐队称这首精致的歌曲是受欧洲电视网 歌唱大赛Eurovision的启发，当时乐队几个人看着节目闲的无聊就写出了这首歌曲。《Gobbledigook》基本上是立起了标杆，随后 《Inní mér syngur vitleysingur》中钢琴，吉他，鼓合奏出的磅礴气势也是乐队未曾有过的尝试，歌曲以快节奏的钢琴、风铃的声效开场，快节奏中Jonsi Birgisson的歌唱也更加有力；经过歌曲中段旋律的改变，气势宏大的管弦乐突显出来，如果说《Gobbledigook》是短促的爆发，那么 《Inní mér syngur vitleysingur》就是迂回的调动，歌曲后段Amiina乐团伴奏的响起，以及多个号角的加入让整首歌曲沉浸在欢娱的情绪中。两首歌曲下来，至少 能说服歌迷来静心体味Sigur Rós新的音乐。随后的《Góðan Daginn》完全就是《Inní mér syngur vitleysingur》的原声版本，木吉他的伴奏、零星的打击乐，其中接触大自然的感觉不禁让人想起记录片《Heima》的画面。这首歌曲表明 Sigur Rós在求变的同时保存住了乐队最精髓的东西，往往在歌曲的细节处钩起对以往的回忆；在片刻的安静后《Við Spilum Endalaust》在坚实的贝司流线和干脆的鼓点中再次把节奏加快，强列的节奏感和美妙的旋律独显出北欧音乐的真谛，歌曲后段加入的管弦乐又为歌曲筑上 了坚实的背景，强烈，甚至是粗鲁的冲击力是之前的Sigur Rós所做不到的。

在长达九分钟的史诗篇章《Festival》后Sigur Rós回到了以前的样子，专辑后半部分的歌曲多是延续去年发行的《Hvarf/Heim》中的感觉，可以看作是之前三张专辑中歌曲的原声版本。歌曲 《Ára Bátur》在长达九分钟的时间里让Jonsi Birgisson的高音飙到了新的高度，歌曲现场一次录音成型，在后段更是加入了九十人的大乐团伴奏，情绪的适时迸发再次显示了乐队对于管弦乐的到位把 握，当然不变的是歌曲仍旧有着了无人烟的空间中精灵般声音。《Með suð í eyrum við spilum endalaust》拥有太多的第一次，乐队第一次在家乡以外的地点录制专辑；第一次请大牌制作人；第一次尝试新风格；还有就是第一次尝试英语唱歌。和大 多数歌迷要求瑞典的Kent乐队发行英语专辑一样，也定有多数歌迷希望Sigur Rós用英语唱歌，新专辑中的《All Alright》多少满足了歌迷的期望。英语演唱的歌曲《All Alright》可以看作是乐队渴望征服英语国家歌迷的急切心情。庆幸的是，在此种商业化味道浓重的改变中Sigur Rós并没有丢掉自己的神采，空灵、纯净，除了语言不同外，歌曲的感觉并没有差别，对于一直和乐队处于“交流障碍”的歌迷此番能听懂Jonsi Birgisson在唱什么多少会感觉到意外的欣喜。

一直以来Sigur Rós就擅长在歌曲的遍曲上下工夫，将多段简单的旋律自如地结合在一起，出来的效果比简单的拼凑要远远精彩许多，《Með suð í eyrum við spilum endalaust》仍旧显示了Sigur Rós对于旋律把握的功底，而且更加自信和自如。虽然突然的改变有些突兀但这仍旧是一张标准的Sigur Rós专辑，而且是现在的Sigur Rós所能做出的一张优秀的作品。文/英伦猫

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近日Noel Gallgher表示Radiohead网络发行《In Rainbows》时制定的“看着给”（pay-what-you-like）的付费方式是不错的市场推销手段。

但当谈到Oasis即将于10月发行的专辑《Dig Out Your Soul》时，Noel表示并不会效仿Radiohead的做法，由歌迷自己来定专辑的价格。

Noel的理由是，“我们租用英国最昂贵的录音室，重金请来美国的制作人，还有最出色的封面设计师，我们可不想将如此用心制作出的专辑免费发放出去。” （原文用的是“Fuck that！”）

Noel还表示 Radiohead网络发行《In Rainbows》的方式很精彩，乐队免费为自己做了宣传，这对于他们来说是很不错，因为他们从来就是“反叛者”和"局外人"。

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2007年对于EMI公司来说是灾难性的一年，Radiohead撇开EMI独立发行唱在片 成就自己的同时，给包括EMI在内的传统唱片公司带来了巨大的冲击。不过这还只是个开始，随后，继Radiohead 和Paul McCartney之后The Rolling Stones也宣布离开EMI公司，签约EMI的死对头环球唱片。众叛亲离的EMI将砝码全部压在了Coldplay身上，一支如今地位可以与 Radiohead相媲美的乐队，索性的是Coldplay的新作《Viva La Vida or Death And All His Friends》获得了满堂彩，不仅一定程度上挽救了EMI，还成就了自己的艺术追求。

《Viva La Vida or Death And All His Friends》是乐队至今最具实验性的作品，在发行了两张主流味道浓厚的专辑后Coldplay有些出人意料地选择了如此艺术化的转向，当然，之前喜欢 乐队流行调调的歌迷并不会被乐队的艺术态吓跑。新专辑中最明显的变化即是标志性钢琴的消失，取而代之的是各种打击乐器，还有创造性的歌曲结构；乐队表演的 不再是简单得有点冒傻气的情歌，Chris Martin催人泪下的假声也变的更加有力。这一切的变化都源自鬼才制作人Brian Eno的主意。其实他的方法很简单，就是让鼓的节奏更快一些，弦乐的空间感更强一些，擅长氛围音乐的Brian Eno带给Coldplay更多的宏大气势，还有就是抓人的歌曲结构。

在Brian Eno的指引下Chris Martin效仿Radiohead在制作《OK Computer》时的做法，大部分歌曲放弃传统的主歌—副歌—主歌结构，新作中多桥段的结构让歌曲呈现出让人回味的变化。在专辑十首作品中，我们实际上 能欣赏到十三首作品，诸如《Lovers In Japan / Reign Of Love》、《Yes / Chinese Sleep Chant》还有《Death To All His Friends / The Escapist》都采取了合二为一的做法（一部分原因是乐队为了让歌迷下载整张专辑，而不是单首歌曲）。在这三首歌曲中我们能看到Radiohead歌 曲《Paranoid Android》的影子。《Lovers In Japan / Reign Of Love》中《Lovers In Japan》在吉他流线和Chris Martin颇有气势的演唱中展现出宏大的气势，歌曲带着浓厚的U2感觉。随后的《Reign Of Love》则是经典的Coldplay式深沉，新专辑中少见的钢琴在这里得到了展现；《Yes / Chinese Sleep Chant》则是从前段让人眩晕的弦乐急转到后段的带着强烈Shoegaze味道的吉他音墙中，中东味道的弦乐和Radiohead意味的鼓机使用使得 Chris Martin的演唱也更具色彩。实际上，新专辑中的歌曲都是在Coldplay原有歌曲特色基础上丰富了配器和结构，《42》应该是Coldplay所能 做出的最大限度的尝试，保持住Chris Martin深沉的吟唱，歌曲在三个旋律间转换，从深情的钢琴伴奏到放克味道的吉他再回到钢琴伴奏，其中的急转缓和着实让人回味。Brian Eno的身影深深地刻在了歌曲中，就像他之前对Paul Simon尝试的改造一样，在歌曲的进行中，多个细节处加上变化，积累起来整首作品就显示出不同一般的感觉。

用华丽来形容Coldplay的新作一点一不为过，《Violet Hill》专辑先行单曲即展示了足够的华丽味道，从开篇的声势浩大的打击乐到后段的平静的钢琴，整首歌曲如泻洪一般的凶猛。如果说《Violet Hill》还显得有点沉闷，那么另一首作品《Viva La Vida》则要轻快许多，听完《Viva La Vida》再看乐队为iPod做的广告就能明白现在的Coldplay有多么华丽。除了成员们光鲜的外型外，鼓手Will Champion更是丢掉架子鼓，转而敲起大鼓和大钟。气势和华丽在《Viva La Vida》中得到完美的诠释，相比于《Violet Hill》，这首歌曲更有一击致命的能力。，综观为iPod做过广告的明星，U2、Eminem、Bob Dylan还有Paul McCartney，而不觉间如今的Coldplay也已经踏入国际一线乐队的行列。

新专辑让人称赞不已，但Coldplay的缺陷还是明显的，那就是过于简单的歌词。连 Chris Martin都曾承认自己不善于写歌词，说的不好听点就是老生常谈、陈词滥调，例如从让人赞不绝口的《42》中你仅仅能得到“死去的并没有真正离开，他们 只是活在了我们的记忆中”这样的信条，而整张专辑也只不过在讲述，时间不等人、雨后会见彩虹，少年不得志之类的故事。当然对于这张已经非常出色的专辑来说 是过于苛求了，在这张仅仅有47分钟之久的专辑中Coldplay几乎将相当于几张作品的内容灌注到其中，可见其用心之良苦。《Viva La Vida or Death And All His Friends》会不成为乐队的经典还有待以后考证，但它的确是乐队至今最好的作品，而且是当下所有乐队中可以得到公认的最好的作品。

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编译：Chasez

 英国的“格拉斯顿伯里音乐节”（Glastonbury Music Festival）是世界上规模最大的音乐节之一。2008年的音乐节选用美国说唱歌手Jay-Z作为音乐节开场头牌的决定遭到了多方非议，因此音乐节的 组织者表示将在明年重新选择吉他摇滚乐队作为音乐节的开场头牌。

Oasis 将于10月6日在Big Brother场牌下发行乐队的第七张专辑《Dig Out Your Soul》。

专辑的先行单曲《The Shock Of The Lightning》 将于9月29日于歌迷们见面。

新专辑交由 Dave Sardy制作，此人正是乐队前一张专辑《Don't Believe The Truth》（2005年）的制作人。专辑在伦敦著名的Abbey Road录音室进行录制，后期制作则在美国洛杉叽完成。

最新单曲《The Shock Of The Lightning》仍旧由Noel Gallagher执笔完成，当谈起新专辑时，Noel表示，“我希望写出让人兴奋的歌曲，而不是死板地按照传统歌曲的格式写歌曲。我希望做出的音乐能让人沉醉，感觉到力量，能给你带来不同的感受，然后能让你进入到其中尽情地感受音乐。”

谈到《The Shock Of The Lightning》时 Noel表示，“如果这首歌曲让人感觉急促，有压迫感，那是因为歌曲从写作到制作完成只用了很短的时间，这首歌曲其实就是个Demo版，歌曲保存了最初的感觉，你第一次录制的东西往往都是最棒的。”

在Radiohead和Coldplay相继发行完专后，今年最为让人期待的当数 Oasis。不过期待跟期待不同，我们可以期待前两者的创新，而对于 Oasis，我们的期待似乎存在这惯性。Noel Gallagher从一开始就表示 Oasis不会“触电”，真正的摇滚乐就是吉他加鼓，因此我们也不用期盼《Dig Out Your Soul》会有不同与以往的新招数了，想听到的也就是看看Noel Gallagher又能写出哪写让人热血沸腾的歌曲了。